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Michel Onfray à Caen et Argentan

Michel Onfray, philosophe normand et normand philosophe

Le vendredi 23 décembre 2011 par Christian Broussas.

      Michel Onfray dans l'Orne

 Michel Onfray, un homme centré sur son terroir, né le 1^er janvier 1959 à Chambois dans le département de l’Orne et vivant le plus souvent entre Caen et Argentan. Normand et fier de l’être, pourrait-on ajouter, attaché indéfectiblement à sa ‘terre d’écrivain’ qui refuse le carriérisme parisien. Un rebelle aussi, revendiquant se spécificités à travers sa propre vision de son rôle de philosophe dans le monde contemporain, se revendiquant l’héritier d’une tradition  libertaire remontant au philosophe grec Diogène apostrophant Alexandre le Grand qui lui cachait ‘son’ soleil, symbole pour Onfray de l’acte rebelle et jubilatoire.

Né dans un milieu particulièrement défavorisé, d’un père ouvrier agricole et d’une mère femme de ménage, il est placé dès l’âge de dix ans et pendant presque cinq ans, dans le pensionnat catholique de Giel dans l’Orne dont il fut « l’habitant de cette fournaise vicieuse » écrit-il dans la préface de son ouvrage "La puissance d’exister". « Mon père était propriétaire de sa force de travail mais de rien d’autre. C’était un prolétaire des champs »  dit-il dans une interview en  avril 2011. « Quand on est dans mon cas, poursuit-il, on ne sait pas qu’on peut aller à l’université, faire des études. On a envie d’un travail, vite. »

L'université du goût à Argentan (actuellement à Caen)

Sans doute pour exorciser ses sombres années d’enfance, il choisit en 1986 de soutenir une thèse sur « Les implications éthiques et politiques des pensées négatives de Schopenauer et de Spengler » au Centre politique et juridique de l’université de Caen. Aux thèses de Spengler sur le progrès comme mythe occidental et de Schopenauer prônant un ascétisme comme négation de tout désir, il oppose un optimisme foncier reposant sur un hédonisme militant. Il restera pendant quinze ans au lycée technique Sainte-Ursule de Caen pour y enseigner la philosophie mais il se sent à l’étroit dans ce cadre sclérosant  imposé par l’Education nationale.

Rupture en 2002, quand, sidéré par la percée du Front National aux élections présidentielles, il décide de quitter son poste d’enseignant au lycée de Sainte-Ursule à Caen pour fonder l’Université populaire

de Caen tentative novatrice d’éducation collective libertaire et gratuite, de mettre la philosophie à la portée de tous. En 2004, il en écrit le manifeste qu’il intitule "La communauté philosophique. " Je me suis dit, confie-t-il dans son interview, « plutôt que de râler, agissons, faisons, construisons. Quand il y a de la bêtise, il faut combattre avec  la culture, le savoir. »  Son objectif est de ‘dépoussiérer’ l’approche et l’enseignement de la philosophie, de lui donner du sens, de l’ouvrir aux autres disciplines des sciences humaines car dit-il, « un philosophe pense en fonction des outils de savoir dont il dispose, sinon il pense en dehors de la réalité. »

Il va donner une nouvelle impulsion à ses théories hédonistes en créant à Argentan l’université populaire du goût dont il a dit pour présenter son projet : « Ce vin que j’ai plaisir à boire, cette cuisine que j’ai plaisir à manger, je voudrais la partager avec vois. Je voudrais que vous aussi puissiez y accéder… L’éducation sensorielle est une dimension philosophique incarnée… S’il y a du plaisir, partageons-le… rendons-le possible collectivement. » Il développe cette idée dans trois de ses ouvrages, écrits en ce sens, Le ventre des philosophes, La raison gourmande, et Les formes du temps. Il dit avoir conservé le souvenir du goût des légumes du jardin de son père qu’il cultive toujours « dans le petit jardin qui borde la rivière de mon village natal. » Dans Le ventre des philosophes, il écrit que « Toute cuisine révèle un corps en même temps qu’un style, sinon un monde : l [...]. L’orphelinat me valut d’apprendre sous d’autres auspices qu’il n’y a pas d’alimentation neutre. »  

« Socrate du XXIe siècle », comme on a pu parfois l’appeler, il se veut esprit libre, anticonformiste, s’interrogeant sur le sens de la vie et bousculant les certitudes de nos sociétés.

L'université : Onfray avec M Dauriac

Repères bibliographiques

" Gastrosophie "

 Le Ventre des philosophes. Critique de la raison diététique, Grasset, 1989

 La Raison gourmande. Philosophie du goût, Grasset, 1995

" Hédonisme "

 Traité d’athéologie. Physique de la métaphysique, Grasset, 2005

 Manifeste hédoniste, éditions Autrement, 2011

 Journal hédoniste, tome I à tome IV, éditions Grasset, 1996-2007

  Voir mes fiches sur d’autres sites :

- L'Ordre libertaire et  Albert Camus et Michel Onfray

- Le manifeste hédoniste et Onfray, contre-histoire de la philosophie

Mes autres fiches à consulter sur Terre des écrivains :

Albert CAMUS en Bretagne et  Jean-Jacques ROUSSEAU à Lyon

<<<<< Christian Broussas, Feyzin, 12/2011 maj 11/2013 © • cjb • © >>>>>

"Picasso, l’homme qui croquait les femmes"

Avec Olga et les enfants

La vie de Picasso est aussi une collection de conquêtes : Fernande, Eva, Olga, Marie-Thérèse, Dora, Françoise, Geneviève, Jacqueline. Il connut ainsi huit femme dont Olga Khoklova et Jacqueline roque qu’il épousa, auxquelles on peut ajouter d'autres qui ont sans doute moins compté comme Elizabeth (Lee) Miller (1907-1977), Nusch Eluard (1906-1946) ou Lydia Corbett (Sylvette David née en 1934).

1- Fernande Olivier : 1881-1966, 7 ans de vie commune de 1904 à 1912

Un soir, il rencontre le regard d’une femme qui porte un magnifique chapeau, Fernande Bellavallée. Elle fréquente le Bateau-Lavoir car sa sœur est la maîtresse du peintre Othon Friesz. C’est le coup de foudre et dès le lendemain, ils font une entrée remarquée au Lapin agile. On peut la voir représentée dans des tableaux comme ses différents Portrait de 1905 à 1908 ou Fernande à la mantille noire en 1905-1906

Fernande Olivier                                                                        Portrait 1909

2- Marcelle Humbert, connue aussi sous le nom de Eva Gouel, 1895-1915, 5 ans de vie commune de 1912 à 1917

Picasso se console de ses difficultés familiales avec celle qui est alors la fiancée du peintre Louis Marcoussis. Petite et frêle jeune femme, il la surnomme « Ma jolie » titre d’une chanson à la mode. Dans ses tableaux cubistes, elle prend souvent la forme d’une guitare par exemple dans Guitar "I love Eva" en 1912. Dans la femme assise dans un fauteuil, son doux visage apparaît comme une fente verticale dont les tons mauves et rose violacés évoquent un sexe féminin. Elle est aussi prétexte à des tableaux cubistes comme Femme en chemise dans un fauteuil en 1913 ou La joie l’année suivante. Mais elle contracte la fièvre typhoïde dont elle décède à la fin de l’année 1915.

     Marcelle Humbert en 1910                         Portrait en 1915              Eva "Ma jolie" 1911

3- Olga Khoklova (1891-1955) sa première épouse, 10 ans de vie commune de 1917 à 1927

Elle est fille d’un colonel russe et a dix ans de moins que lui. Son ami le danseur Diaghilev le met en garde : « Fais gaffe, une russe, on l’épouse. » Et effectivement, le mariage se déroule à l’été 1918 dans l’église orthodoxe de la rue Daru avec pour témoins Max Jacob et Guillaume Apollinaire. Les tableaux qui la représentent sont d’une facture plus classique, (Olga à la mantille en 1921) où toute trace de cubisme a disparu, montrent l’évolution du maître vers une période plus sereine avec ce tableau où on la voit avec son fils Paulo née en 1921. Les photos de l’époque montrent aussi que Picasso a trouvé un bon équilibre comme celle où ils sont toux deux assis, elle avec un chapeau noir à larges bords et une robe seyante aux bandes horizontales blanches et noires ou encore vers 1920, elle  avec une robe à larges pans et lui en costume trois pièce, gibus et canne.

Picasso et Olga                                             Portraits d'Olga en 1917 et en 1921

4- Marie-Thérèse Walter (1909-1977), 9 ans de vie commune de 1927 à 1936

Picasso est volage et quand, passant devant les Galeries Lafayette en janvier 1927, il croise le doux regard gris-bleu de Marie-Thérèse, il la drague carrément en lui disant : « Mademoiselle, je voudrais faire votre portrait. Je suis Picasso. »   Elle n’a que 17 ans, vit avec sa mère à Maison-Alfort et tombe sous le charme du bel hidalgo. Marie-Thérèse refusera toujours qu’il divorce pour elle, se verront en secret et auront un enfant Maya née en 1935, qu’il ne reconnaîtra pas. Sa peinture prendra un style plus épuré, parfois près de la caricature comme la Femme assise près d’une fenêtre, portrait de Marie-Thérèse Walter en 1932, des madones à la tête renversée, des femmes qui se dédoublent dans une recherche de synthèse de ses styles antérieurs.

Picasso et Marie-Thérèse                                    Portraits  de Marie-Thérèse en 1932 et 1937

5- Dora Maar (de son vrai nom Henriette Theodora Markovitch, 1907-1997), 8 ans de vie commune de 1936 à 1944

Cette photographe intelligente, qui parle couramment l’espagnol, pose pour lui, la représenter avec des formes torturées, en femme tragique et mystérieuse. Pendant un temps, c’est un ménage à trois qui s’organise, le jeudi et le dimanche pour Marie-Thérèse et Maya, le reste pour Dora. Il les emmènera en vacances toutes les deux à Royan en 1939.  Entre temps, Olga a déménagé et est partie avec son fils, refusant toute idée de divorce. Il revient à un style plus cubiste où les formes se croisent, où le visage des femmes se dédouble comme dans Dora Maar au chat, La femme qui pleure et Portrait de Dora Maar en 1937, Femme assise dans un jardin l’année suivant.

De celle qu'il peindra comme La femme qui pleure au chapeau rouge, il dira : « Toi Dora tu es comme l’art, tu es la fille de la douleur et de la tristesse. Tu n’es pas laide, tu es la femme qui pleure, j’aime ta souffrance et je la peins. »

Picasso et Dora    Dora au chandail jaune 1939       Dora, la femme qui pleure au chapeau rouge 1937

6- Élizabeth Lee Miller (1907-1977) - 1944-1945

Cette photographe américaine née près de New-York et mettra au point avec Man Ray la technique de la solarisation. C'est en participant à l'aventure surréaliste avec Paul Éluard, Jean Cocteau ou Gertrude Stein qu'elle fera la connaissance de Picasso.

7- Françoise Gilot (née en 1921), 7 ans de vie commune de 1945 à 1951

C’est l’acteur Alain Cuny qui présente à Picasso une charmante brunette de 21 ans (lui qui en a 62) qui veut devenir peintre. Une aubaine semble-il, qui pourtant garde ses distances, a un caractère assez indépendant qui exaspère Picasso qui lui dit un jour : « Vous allez jurer maintenant de m’aimer toujours. » Ils auront deux enfants, Claude en 1947 puis Paloma en souvenir de la colombe de la paix que son père a réalisé pour l’ONU. Il l’a croque d’un coup de crayon en 1946 ou son doux visage émergeant d’une chevelure luxuriante mais on la voit sur une photo de cette époque, les cheveux tirés en arrière.

Picasso et Françoise                      Portrait de Françoise 1946      photo & Portraits de Françoise

8- Geneviève Laporte (1927-2012), 2 ans de vie commune de 1951 à 1953

Ils se sont connus à la Libération en octobre 1944. Elle est alors toute jeunette et ils parlent littérature. Puis elle part aux États-Unis mais quand elle revient sept ans plus tard, ils se revoient, bref amour où il crayonnera beaucoup de nus de sa belle.

9- Sylvette David (née en 1934), 1954 (Lydia Corbett de son nom de femme)

Cette parisienne de naissance est issue d'un milieu artistique e elle a vingt ans quand ils se rencontrent en 1954 à Vallauris et le suit après sa séparation d'avec Françoise Gilot. Il la prendra comme modèle pour "le cycle Sylvette", des céramiques et  une série de sculptures en métal, "Les têtes de Sylvette".

(voir aussi des photos et une galerie de portraits de Picasso et Sylvette David)

10- Jacqueline Roque (1926-1986), sa seconde épouse,  20 ans de vie commune de 1953 à 1973

C’est une belle brune de 27 ans, divorcée et mère d’une fille Catherine, qui séduit ce grand séducteur de 72 ans. Ils vivent retirés sur la Côte-d’Azur et se marient huit ans plus tard en 1961. Il est toujours le même, si ce n’est la célèbre mèche de cheveux devant les yeux, qui a disparu. Son style a tendance à se stabiliser dans des portraits de Jacqueline épurés, aux formes appuyées et souvent très colorés.

Il meurt à 92 ans dans sa propriété de Mougins, lui qui disait que dans la vie « il est beaucoup plus facile de commencer que de s’arrêter. » La mort rôde aussi dans son entourage puisque Paulo mourra encore jeune d’une cirrhose, son fils Pablito tentera de se suicider, ce que réussiront Marie-Thérèse Walter et Jacqueline Roque.

La valse des muses et Galerie de portraits

             <<<<< Christian Broussas, Feyzin, novembre 2013 © • cjb • © >>>>>

Baudelaire, photo d'Étienne Carjat, 1862

Charles Baudelaire a été un petit garçon sage et obéissant, enfant modèle qui se fondait dans le moule des convenances, sans vraiment se forcer comme s’il avait une seconde peau. Déjà avec le Général son beau-père, il « prenait sur lui » pour supporter cet homme dur, parfois brutal, qui le rudoyait, qu’il appelait « papa » ou « grand ami , » ressentant cependant déjà « un sentiment de destinée éternellement solitaire. »

Jalousie rentrée envers cet homme qui lui avait "ravi" sa mère, qui semblait si bien la rendre heureuse oh le secret chagrin quand elle le délaissait, le plantait là avec son livre sur les genoux dès qu’elle entendait son pas résonner dans l’escalier. Il aura toujours des relations passionnées et conflictuelles avec sa mère et la mise en relations de leurs attentes et de leurs déceptions joua un rôle important dans le développement de la sensibilité poétique de son fils. [1] Dans son enfance, elle est sa confidente, lui le solitaire se confie volontiers à elle. Plus tard, il lui écrit parfois chaque semaine, terminant ses lettres par des formules qui illustrent bien leur relation fusionnelle comme dans ces deux exemples : « Tu ne peux t'imaginer combien de fois j'ai mêlé dans mes projets ma vie à la tienne » ou « Je t'aime et e t'embrasse, dis-moi que tu te portes bien et que tu vivras longtemps encore pour moi, rien que pour moi. » [1]

Il a la nostalgie "d’avant", avant le Général, au temps du petit paradis des étés de Neuilly avec sa mère Caroline, ses tendresses, son parfum… tout ce charme, ce bon temps disparu à jamais, au temps où Caroline s'occupait de son éducation, l'emmenait visiter de petites églises de campagne, ce retable par exemple découvert alors qu'ils se rendaient à la ferme Saint-Siméon près de Honfleur. Il y eut leur mariage bâclé, fait en catimini où il ne fut pas même invité, et cette petite sœur disparue dont il espérait parfois qu’elle fût vivante quelque part.

                     
Baudelaire enfant                   Le général Aupick, son beau-père     Jeanne Duval par Manet

A 13 ans, il est placé à la pension Delorme à Lyon où le Général a été nommé et fréquente les cours du collège royal. La révolte des canuts s’étendit jusque dans son collège où il assista aux jeux pas toujours innocents de ses condisciples.  A 18 ans retour à Paris, il fait comme il dit « son année de dévotion » à Louis-le-grand, prend pension chez une bigote du nom de Céleste Théot, toujours un peu seul, toujours un peu en marge. Il est cependant d’un abord agréable, insouciant, trônant dans son bel hôtel de Pimodan, dandy singulier qui s’est inscrit dans l’histoire, l’habit noir impeccable, rehaussé de couleurs vives, gants rose pâle, cravate rouge sang, chapeau de soie, vêture rendue célèbre par le tableau de Deroy. C’était le bon temps du cercle des amis et d’une certaine gloire.

  Émile Deroy Portrait de Baudelaire 1844

Son père : un homme affable, un peu effacé avec ses beaux cheveux blancs qui faisaient qu'on le prenait parfois pour son grand-père quand ils se promenaient au Luxembourg, qui lui parlait si souvent peinture. Et puis sont survenues la maladie, l'agonie, logique d'une mort annoncée qui fut pour l'enfant un crève-cœur. Un jour, il surprit ce secret de famille qui l'inquiéta puis le conforta dans cette idée qu'il était différent des autres, lui fils de défroqué, fruit d'un sacrilège, état qu'on n'évoquait qu'à demi-mots, ce qui ajoutait encore au mystère de ce père que, finalement, il avait peu connu. Les "Fleurs du mal " ne pousseront jamais sur la tombe de ce père enterré à la va-vite et laissé sans sépulture mais lui devront sans doute beaucoup. Ce qui, lui reste de son père : un vieux portrait qui ne l'a jamais quitté, qu'il connaît par cœur, dont il a le regard. [2]

C’est en 1843 que Jeanne Duval entre dans sa vie. Petite actrice de petite vertu, elle végète et est d’abord intriguée par ce dandy si fringant, aux bonnes manières, qui s’intéresse à elle et la change d’un milieu qu’elle connaît trop bien. Curieux amant que cet homme un peu distant, plein de retenues, ce qui tout à la fois la charment et l’inquiète un peu, qu’elle reconnaît dans l’un des ses vers : « je suis belle, ô mortels ; comme un rêve de pierre. » Il aimait sa lourde crinière, ce parfum si personnel, mélange de musc et de havane, sa peau noire luisante si douce au toucher, si réceptive.

Vue de la rue d'Hautefeuille au quartier    L'immeuble 21 quai de Béthune où

latin où il naît le 9 avril 1821                       il reçoit Jeanne Duval

Cette liaison ne fait guère l’affaire de la famille. « Une fille ! Et une noire encore… On dirait qu’il le fait exprès ! » aurait éructé le Général dès qu’il connut tout le désagrément de la situation. Il accuse le jeune homme de  vouloir salir sa réputation, de vouloir désespérer sa pauvre mère. Jeanne voudrait qu’il rompe avec cette famille qui ne peut lui apporter rien de bon, où elle est jugée infréquentable, avec cette mère toujours sous la coupe de "son" Général. Mais Baudelaire est amoureux, des autres hommes qu’elle fréquente et même de son ami Bichette.

De son côté, Jeanne est excédée du comportement de sa bande d’amis, pas toujours tendres à l’égard de Charles mais ses mises en garde ne servent à rien, il tient à l’ambiance qui règne dans ce groupe d’écrivains pas encore célèbres, pour le moment d’obscures écrivaillons exaltés. Jalouse Jeanne, comme une tigresse, au point de lui infliger des scènes terribles quand il s'abîme pendant des semaines dans l'œuvre d'Edgar Poe, qu'il en entame la traduction, ne pensant qu'à ça, rejetant Jeanne de ses pensées, de toute attention.

Jeanne Duval fut pour lui le symbole de la "Venus noire", une femme fatale sensuelle dégageant un parfum d'exotisme, une femme qu'il aima toujours malgré leur relation orageuse et leurs ruptures malgré ses liaisons avec Marie Daubrun en 1847 et Apollinie Sabatier en 1852.

Jeanne par Baudelaire               Apollinie par Beaudelaire   Les fleurs du mal : Illustration de Rodin

Ses obsessions se retrouvent dans les thèmes de son recueil Les Fleurs du mal, [3] la volonté désespérée de l'homme pour défier sa misère, même s'il connaît souvent la solitude et cette oscillation entre spleen et exaltation, qui espère combattre la peur du temps qui s'enfuit. Il doit bien exister quelque part une espèce de paradis perdu qu'on peut tenter d'atteindre par l'évasion de soi, la recherche de la volupté dans un combat perdu d'avance, une révolte dont l'art donne un aperçu.

Notes et références

[1] Voir "L'idée si douve d'une mère", Catherine Delons, éditions Belles lettres, collection L'Histoire De Profil, 240 pages, 2011 - Voir également Les lettres de Charles à sa mère

[2] Voir le livre de Bernard-Henri Lévy intitulé "Les derniers jours de Charles Baudelaire", Grasset, 09/1988, pris Interallié

[3] Voir Robert Kopp, Baudelaire, le soleil noir de la modernité, Gallimard, 2004 et la biographie polémique de Jean-Paul Sartre "Baudelaire", Gallimard, 1947, réédition Folio Essais, 1988

Voir aussi

* Bernard-Henri Lévy, Les derniers jours de Charles Baudelaire, éditions Grasset, 342 pages

* Présentation de Les Fleurs du mal

* Dans la même collection André Malraux, Une jeunesse et Portrait de Michel Houellebecq

       <<<<< Christian Broussas, Feyzin, novembre 2013 © • cjb • © >>>>>

« Enfants terribles » a-t-on dit à propos de Frida Kahlo et Diego Rivera qui ont réussi à donner une identité artistique à leur pays le Mexique.

Frida Kahlo et Diego Rivera

Frida Kahlo a toujours revendiqué sa mexicanidad, recherche d’une identité collective et désir de renouer avec ses racines indigènes, après la fin de la dictature du général Portofirio Diaz, qui régna sur le pays entre 1876 et 1910. La septième élection que brigue Diaz sera l’élection de trop. « l’apôtre de la révolution », Francisco Ignacio Madero, déclenche une insurrection qui initiait dix ans de guerre civile. Au terme des batailles et des meurtres de Madero et de Zapata, c’est finalement Alvaro Obregon qui prend le pouvoir en 1920. Dans ce pays ruiné, le ministre de l’éducation Vasconcelos veut privilégier l’identité mexicaine par l’alphabétisation et l’appropriation d’une conscience collective avec l’art comme instrument de cette politique. C’est dans ce climat que vont se rencontrer Frida Kahlo et Diego Rivera, s’aimer et travailler ensemble.

1- La jeune Frida

Née à Coyoacan, banlieue huppée de Mexico en 1907, Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderon est la fille d’un artiste photographe d’origine allemande, et d’une Mexicaine, catholique fervente. Elle grandit dans la Casa Azul qu’elle appellera "la couleur de l’amour" où elle passera une grande partie de sa vie. Si elle est proche de son père, elle traitera sa mère « d’hystérique et de dépressive. »

À six ans, Frida est victime du premier des deux traumatismes qui marqueront son corps, sinon sa vie : une poliomyélite dont elle gardera une jambe menue et une légère claudication. Sous l’égide de son père, son rétablissement fait de sport et de grand air, est spectaculaire, ce qui dénote aussi un tempérament de lutteuse, de gagneuse. Elle entreprend de brillantes études et fréquente la bande des Casquettes (Los Cachuchas).

C’est le 17 septembre que survient la seconde catastrophe, que sa vie bascule : son bus percute un tramway et le résultat est terrible : triple fracture de la colonne vertébrale et au bassin, fracture des côtes, de la clavicule, perforation de l’abdomen et du vagin, fractures à la jambe droite et au pied droit… Elle ne devait pas survivre à de telles blessures mais survivra quand même jeune fille survivra. Sa rééducation sera longue et difficile : corsets sur un lit à colonnes où sa mère accroche un miroir. Avec un dispositif spécial, Frida découvre la peinture en se redécouvrant elle-même après ces épreuves qui l’ont profondément changée. Recherche esthétique autant qu’existentielle qui la guidera désormais.

Frida Kahlo et la statuette 1939

2- La vie avec Diego

Gravitant dans le milieu artistique, Frida va rencontrer Diego Rivera, artiste déjà connu qui a vingt ans de plus qu’elle. Dans son autobiographie Mi arte, Mi vida, Diego écrira qu’elle avait « un beau corps nerveux… un visage délicat. Elle portait les cheveux longs ; des sourcils sombres et épais se rejoignaient au-dessus de son nez. ».

Diego Rivera fait partie des artistes qui ont pour mission « d’instruire le peuple mexicain en lui racontant son histoire sur les murs des édifices publics ». Elle le rencontre et l’interpelle paraît-il en train de peindre sur le chantier de La Création dans l’amphithéâtre Simon Bolivar de l’École préparatoire de Mexico.

Frida Kahlo dans son atelier, 1931

Ce couple apparemment mal apparié, lui énorme à côté d’elle et réputé volage, se marie en août 1929. Il dira «A ver que sale » (Voyons ce qui en sortira), selon une amie photographe Tina Modotti. Ils s’installent sur son chantier à Cuernavaca où il peint sur les murs du palais Cortès une fable-fresque « Conquête et révolution ». Elle s’habille désormais avec les vêtements traditionnels des mexicaines mais elle ne pourra mener à terme plusieurs maternités. De son côté, Diego a beaucoup de difficultés avec ses amis communistes jusqu’à son exclusion du comité central du Parti communiste mexicain.

Ils décident alors de changer de vie. Ce sera San Francisco où il réalise l’Allégorie de la Californie au Luncheon Club de la Bourse de San Francisco. Mais Frida supporte mal sa nouvelle condition et la mentalité américaine. En juin 1931, Diego doit retourner au Mexique pour finir la fresque du grand escalier sur le chantier du Palais national. Ils repartiront cinq mois plus tard à New York pour une rétrospective de l’œuvre de chevalet de Rivera puis à Détroit pour peindre une fresque à l’Institute of arts.

De nouveau enceinte, Frida est hospitalisée et en profite pour dessiner « une série de chefs-d’œuvre sans précédent dans l’histoire de l’art – des peintures qui exaltaient les qualités féminines de l’endurance, de la vérité, de la réalité, de la cruauté et de la souffrance » dira son mari. Diego se sentant incompris aux Etats-Unis, ils retournent au Mexique mais tout va mal, Frida est à nouveau hospitalisée en 1934 et Diego a une liaison avec sa belle-sœur Cristina ; c’est la séparation.

   Frida Kahlo La colonne brisée, 1944

3- Après leur séparation

Cette séparation est une dure épreuve et après une aventure avec le sculpteur japonais Isamu Noguchi, elle trouve refuge dans l’alcool. « J’ai bu, dira-t-elle, pour noyer mon chagrin, mais il a appris à nager, le maudit ! » et peint alors Mes grands-parents, mes parents et moi. Cependant elle renoue avec Diego et tous les deux, ils accueillent Léon Trotsky et sa femme Natalia Sedova, alors en exil, à la Casa Azul. Elle aura une brève liaison avec Trotski et lui offrira son Autoportrait dédié à Léon Trotski en "cadeau de rupture".

A partir de 1937, elle se tourne résolument vers la peinture jusqu’à sa première exposition à New-York chez le galeriste Julien Lévy. Invitée à Paris, André Breton tombe sous son charme mais elle a surtout des atomes crochus avec Marcel Duchamp, ne goûtant pas vraiment les autres surréalistes. De retour au Mexique, elle apprend que Diego a demandé le divorce. Elle va de nouveau changer de vie, de s’habiller avec des complets d’homme et de se lancer à corps perdu dans le travail, peignant des œuvres noires comme Les Deux Frida et Le Suicide de Dorothy Hale.

Diego tente alors de renouer avec elle et après une cure de désintoxication, ils se remarient le 8 décembre 1940 mais gardent chacun leur indépendance. Revenus à la Casa Azul, ils entreprennent la construction du temple-musée Anahuacalli, en 1942, devant accueillir la collection de pièces archéologiques préhispaniques de Diego. Dès lors, ils vont se vouer à leur passion, lui rejoint en 1943 le Colegio Nacional, lieu d’affirmation de l’unité mexicaine, elle participe à la création du groupe le Seminario de Cultura Mexicana et enseigne à l’école d’art plastique « La Esmeralda. »

Mais elle doit s’arrêter en 1944, clouée par la souffrance physique qui peindra dans des œuvres comme La Colonne brisée et Sans espoir. En 1950, Frida passe un an à l’hôpital ABC de Mexico où, soutenue par Diego, elle subit sept greffes osseuses, qui malheureusement échouent toutes. Son travail est désormais reconnu par une grande exposition en avril 1943 qu’elle suivra sur son lit d’hôpital. Malgré l’amputation d’une jambe, elle participe à une grande manifestation communiste pour protester contre la destitution du président du Guatemala, Jacobo Arbenz. C’est son chant du coq et Frida meurt le 13 juillet, à 47 ans, déclarant juste avant sa mort : «J’espère que la sortie sera joyeuse – et j’espère ne jamais revenir. » Diego Rivera ne lui survivra que trois ans.

Frida : autoportrait aux singes,  1943      Frida : "Diego on my mind", 1943

4- Le Musée Dolores Olmedo de Mexico

Il présente nombre d’œuvres de Frida Kahlo et de Diego Rivera, « L’éléphant et la colombe », qui ont connu le parcours artistique d’un couple mythique dont les vies ont été marquées par une passion commune pour leur pays le Mexique.

On peut y admirer les œuvres cubistes de Diego Rivera – dont un Paysage zapatiste et une Femme au puits datant de 1915 au temps où il sillonnait l’Europe et côtoyait des artistes comme Picasso, Léger, Soutine et Modigliani, de grandes fresques inspirées de l’histoire mexicaine, des autoportraits et photographies de Frida Kahlo.

Les œuvres de Frida Kahlo exprime la souffrance physique qu’elle a subi durant toute sa vie, ses désillusions aussi et l’amour, aussi bien celui de Diego que celui de la liberté. Elle y porte un regard direct, centré aussi bien sur le monde extérieur que sur elle-même, creusant les énigmes de la nature humaine dans des tableaux comme Quelques petites piqûres (1935), La colonne brisée (1944) ou Sans espoir (1945).

Ses constants malheurs physiques font écho à un Mexique qui tente de panser les plaies de sa révolution, longue guerre civile d’une dizaine d’années, une osmose qu’elle réalise par sa volonté de dépasser ses problèmes personnels pour participer à une œuvre collective, à travers la recherche de couleurs et de formes renouvelées.

 Voir aussi

* Mon article : Diego Rivera Les fresques lyonnaises

* Frida Kahlo, artiste mexicaine

<<<<< Christian Broussas, Carnon-Mauguio, Octobre 2013 © • cjb • © >>>>>

  L'écrivain Patrick Cauvin

Le parisien marseillais

Prix Vogue Hommes en 1986 pour Haute-Pierre

Patrick Cauvin, Claude Klotz de son vrai nom, est né le 6 octobre 1932 à Marseille et mort le 13 août 2010 à l'âge de 77 ans.

Homme d’écrit et d’images, Patrick Cauvin dit lui-même qu’il doit à son père cheminot son goût pour le cinéma, pour l’audio-visuel, son attrait pour un acteur comme Humphrey Bogart.

Dans son roman Povchéri, il écrit « j'avais onze ans dans l'été 43… Petit bonhomme en galoches soumis aux restrictions. »

Dans un premier temps, après une licence de philo, il habite dans un HLM à Sarcelles et se dirige vers l’enseignement au lycée technique de Bezons. Puis il revient  Paris résidant dans sa chère butte Montmartre, celui  que le romancier Jean Contrucci avait appelé le « Marseillais de Montmartre nyctalope. » De ses lectures d’enfance, de Lucky Luke au capitaine Fracasse en passant par Andromaque, naîtra en 2005 son « Dictionnaire amoureux des héros »

Patrick Cauvin aimait musarder parmi les petites rues de la Butte Montmartre, prendre son café à la terrasse du Cépage à côté de chez lui, casser la croute au Maquis, « en griller une » tout en longeant la rue Caulaincourt ou s’arrêter au 111 pour parler musique avec le marchand de journaux ; Il peut même pousser jusqu’à la place Constantin-Pecqueur et la librairie de l’Attrape-Cœur, parfois vers le cinéma Studio au 28 rue Tholozé ou vers le théâtre de l’Atelier. Accepterait-il de déménager lui demanda un jour le journaliste Paul Desalmand, : « La promenade n’est pas un petit voyage, mais un grand voyage en réduction. » lui répondit-il. Dans son ouvrage "Paris en Seine", il écrit  : « Au fond Paris est inépuisable, et bénies soient les villes avec lesquelles on n'en a jamais fini... on marche et voici de l'inconnu brusquement. »

          

Patrick Cauvin (à droite) et Paul Desalmand                  Sa tombe au Père Lachaise

Sa première rencontre avec l’écriture se fera à travers le roman policier, treize livres qui vont se succéder à travers son héros Reiner, nommé aussi Raner et il y reviendra en 2002 avec un thriller au suspense prenant Le Sang des roses. Ecrivain éclectique, il s’intéresse par la suite à la bande dessinée, rédacteur d’une chronique de cinéma dans le magazine Pilote et écrit des pastiches de films d'épouvante, d'action comme Dracula père et fils ou Les Fabuleuses Aventures d'Anselme Levasseur.

Lassé de cet univers assez glauque du triller, il « se recycle » dans le roman d’amour avec L’amour aveugle paru sous le pseudonyme de Patrick Cauvin que désormais il adoptera. Suivront Monsieur papa en 1976, [1] E=mc² mon amour, [2] histoire d’amour entre deux adolescents surdoués Lauren et Daniel, à laquelle il donnera une suite en 1999 intitulé Pythagore, je t’adore, puis en 1981, Nous allions vers les beaux jours, récit très controversé sur la Shoah.

En 1982, il est à Karnak en Egypte avec un couple de handicapés qui respirent la joie de vivre et lui donneront la trame de son roman Dans les bras du vent publié l’année suivante. Il atteindra son objectif de « faire du lecteur un spectateur. À coups de dialogues qui sont mes moyens à moi de faire des champs et contrechamps » avec Laura Brams en 1984.

Toujours soucieux de se diversifier, il signa Hors jeu en 1987 avec le dessinateur Enki Bilal, sur le football du futur, un recueil de nouvelles L’immeuble, une pièce de théâtre Héloïse, des bandes dessinées comme Bellagamba,  puis fut également scénariste avec Le mari de la coiffeuse, L'homme du train [3] réalisé par Patrice Leconte et s’occupa de fictions comme conseiller et scénariste sur France 3.

Lui qu’un cancer a emporté en 2010 a souvent pensé à la mort comme cette réflexion amère tirée de son roman Kobar « L’horreur de la mort est de ne rien emporter. Ni un visage, ni un sourire, ni un souvenir. Pas un jardin, pas un crépuscule, » ou cette  résonance tirée de Laura Brams : « Elle en était sûre maintenant : une vie n'était qu'une vie, une étincelle entre deux moments, un passage fugace et réel qui jamais ne se retrouverait, telle était la loi et telle sa grandeur. »

Notes te références

[1]  "Monsieur Papa" a été transposé dans un film de Philippe Monnier avec Daniel Auteuil et Claude Brasseur.

[2] Son roman sera adapté au cinéma par George Roy Hill en 1978 sous le titre « I Love You, je t'aime »

[3] "Le Mari de la coiffeuse" avec Jean Rochefort et "L'homme du train" avec Johnny Hallyday et Jean Rochefort.

<<<<< Christian Broussas, Carnon-Mauguio, Octobre 2013 © • cjb • © >>>>>